文章来源：公众号：时尚芭莎

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在当代时尚设计领域，编织这一拥有4000年历史的手工技术依然为奢侈品牌所重视。从爱马仕（Hermès）到葆蝶家（Bottega Veneta），编织的传统被保留和延续，依然在当代消费设计中焕发光彩。

Bottega Veneta匠人在蒙特贝罗维琴蒂诺工坊内向观众揭秘世家标志性编织工艺「Intrecciato 」如何诞生 ©BottegaVeneta/Massimiliano Bomba

爱马仕与技艺精湛的韩国匠人延续着编织工艺的传统文化 

©Hermès

在编织技术的现代化进程中，有一位设计和艺术大师的名字不可忽略。今次#Masters and Masterpieces大师与杰作，让我们一起走进德国纺织品和版画艺术家安妮·阿尔伯斯（Anni Albers）的创作生涯，感受编织作为艺术媒介的独特魅力，见证编织从传统手工艺向现代艺术的转变过程。

安妮·阿尔伯斯的作品至今仍对爱马仕、保罗·史密斯等奢侈品及时尚品牌有着重要影响。

Left, Wallhanging, by Anni Albers, 1925, Collection Die Neue Sammlung, Munich.

© 2018 Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), NY/DACS, London. Right, Josef and Anni Albers Foundation x Paul Smith © Cleo Clover

“编织是多面向的。如同所有工艺品，编织是一项实用性物件，也可以是艺术。”

安妮·阿尔伯斯于1899年出生于德国柏林的一个富裕家庭，父母经营家具制作工坊。1922年，阿尔伯斯加入包豪斯学院纺织系，认识了她的先生约瑟夫·阿尔伯斯。因为第二次世界大战，阿尔伯斯夫妇于1933年离开德国前往美国，在北卡莱罗纳的黑山学院任教。1949年，安妮·阿尔伯斯成为了第一位在纽约现代艺术博物馆举办个展的纺织品设计师。阿尔伯斯让纺织不再局限于手工艺范畴，而进一步拓展为一种带有现代主义色彩的创作媒介，模糊了艺术、设计和建筑的边界，同时延续了传统纺织技术的古老智慧。

⑤

Anni Albers

1. 艺术：师承保罗·克利（Paul Klee）

2. 美学：美洲古文明的编织传统

3.材料：革新吸音织物

4.哲学：从“零”开始创作

5. 爱：安妮和约瑟夫的故事

01

艺术

师承保罗·克利（Paul Klee）

保罗·克利（Paul Klee）在他的工作室里，伯尔尼，1939 年夏天，摄影：菲利克斯·克利（Felix Klee）©Klee-Nachlassverwaltung, Hinterkappelen, courtesy of David Zwirner

保罗·克利在他位于德绍的工作室，1929 年 11 月，Josef Albers 的拼贴照片 ©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

保罗·克利，《城堡和太阳（ Castle and Sun）》，1928年 ©Public domain

安妮·阿尔伯斯，《 相交（Intersecting）》，1962年 ©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

保罗·克利，《千里光（Senecio）》， 1922 年 ©https://www.zpk.org, courtesy of Zentrum Paul Klee

安妮·阿尔伯斯，《壁挂（Wallhanging）》，1925年 ©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

在包豪斯学院期间，保罗·克利曾是安妮的老师。克利绘画中对抽象形式的探索影响着安妮的创作，启发着她在点、线、面等基本形式的组合中表达情感和思想。

克利常说“让线条自在行走（Take A Line for A Walk）”。在安妮的织物作品中，克利的理念以纱线的形式得以实现。

通过手工编织，线是材料，也是作品的基本形式，自由地延展和流动着，延续了克利绘画作品中极具生命力的线条质感。

同时，克利提出了重复（multification）和复调音乐（polyphony）两种图像形式的设计原则，也指导了安妮织物作品中的几何构图，使其具有一种音乐律动般的节奏感。

安妮·阿尔伯斯，《点缀（Dotted）》 ，1959年，The Daphne Farago Collection ©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/DACS, London

安妮·阿尔伯斯，《主题变奏曲（Variation on a Theme）》，1958年，courtesy of Seam Collective Organization

安妮·阿尔伯斯，《公开信（open letter）》，1958年 ©The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society

安妮·阿尔伯斯，《在轨道上（ In Orbit)》， 1957年

©2018 The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

在保罗·克利看来：“织物是具有服务性质的物品。”这句话指引着安妮，让她持续在创作中探索着织物这一“服务”特质。

举例而言，包裹性的织物安妮会更加强调织物的柔软和包容性，而需要垂坠悬挂的织物，安妮则会关注织物的垂感是否足够。

安妮·阿尔伯斯，《壁挂（Wallhanging）》，1924年

©2019 The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 安妮·阿尔伯斯，《垂直线（ With Verticals）》，1946年，courtesy of The Josef and Anni Albers Foundation and David Zwirner

02

美学

美洲古文明的编织传统

古代文明常使用的背带织机示意图，courtesy of The American Museum of Natural History, New York

安妮·阿尔伯斯，《古老文字》，1936年，棉、人造丝，1505 × 1118 mm ©2018 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/DACS, London

安妮·阿尔伯斯，《俳句（Haiku）》，1961年，courtesy of Musée d’Art Moderne de Paris JAAF

在追溯4000年编织艺术史的过程中，阿尔伯斯遍访美洲大地的古老文明，多次深入拉丁美洲腹地探索织布机的发源地。在没有书写系统的前哥伦布时期，编织品承载着重要的文化交流和象征意义。

安妮·阿尔伯斯将编织与文字的关联纳入自身的创作实践，探索文字以外的视觉表达，开创了“图画编织”（pictorial weaving）这一艺术形式，向编织的起源致敬，同时也让编织成为承载着文明密码和人类情感的艺术媒介。

安妮·阿尔伯斯，《红河曲（Red Meander）》，1954年，私人收藏  ©2018 The Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS）

安妮·阿尔伯斯，《代码(Code)》，1962 年，棉、麻、金属线和羊毛，58.4 × 18.4 厘米 ©The Josef and Anni Albers Foundation

《六次祈祷（Six Prayers）》，1966-7 年，是安妮·阿尔伯斯最令人印象深刻的图画编织之一，用于纪念 1996 年犹太人大屠杀事件，材料：棉、亚麻韧皮、银卢勒克斯，每个面板 186 × 48.9 厘米 ©The Josef and Anni Albers Foundation

安妮的创作通过网格的形式强调了编织中经纬线的本质，同时也以简约的色彩和构图传达出细腻、安静的美学感受，让观众在沉静的观看过程中，细细体会材质、色彩和线条的微妙变化。

03

材料

革新吸音织物

1930年，安妮·阿尔伯斯因为对于创新材料的开发获得了包豪斯文凭。在传统的礼堂建筑中，深色的天鹅绒布常用于包裹墙面以吸收噪音。

安妮·阿尔伯斯对这一材料进行了革新，她设计了一面是绒、一面是反光材质的特殊织物，通过玻璃纸、棉线和雪尼尔绒线的结合让织物既可以吸收噪音，又能呈现闪闪发光的表面质感。

这种材料在吸音的同时带来全新的视觉感受，不再如惯用的吸音材料天鹅绒一般颜色暗沉，一经推出便获得了市场的喜爱，让安妮的作品首次获得了商业上的成功。

安妮·阿尔伯斯，玻璃纸、棉、雪尼尔，1929 年，6 × 13 厘米 ©The Josef and Anni Albers Foundation

在这款织物的设计中，安妮避免了过于艳丽的色彩和鲜明的图案，让功能实现优先于设计师的个人表达。

正如安妮所说：“我不希望人们首次看到织物的时候想到的是某位艺术家的作品。”

 安妮·阿尔伯斯在德国伯瑙工会学校礼堂墙面材料正面和背面，1929年 ©the Josef and Anni Albers Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York/DACS, London

04

哲学

从“零”开始创作

黑山学院是20世纪最杰出、最具实验性的艺术教育机构之一，它有着与包豪斯学院一样的野心，以跨学科教学和学生自治的理念鼓励冒险、实验和创新。

1933年，在纳粹势力的压力之下，包豪斯学院关闭，结束了14年的传奇故事。

同年，黑山学院在美国北卡罗来纳山区诞生，延续了包豪斯融合工艺与艺术的理念，迅速成为了美国现代主义艺术和文化的创意基地，培养了抽象表现主义画家威廉·德·孔宁（Willem de Kooning）、抽象派大师塞·托姆布雷（Cy Twombly）、实验音乐人约翰·凯奇（John Cage）等先锋艺术家。

安妮·阿尔伯斯在黑山学院编织工作室工作，1937 年 ©The Josef and Anni Albers Foundation

安妮·阿尔伯斯在黑山学院的编织课上创造纺织效果的材料研究，1938-42 年，摄影：克劳德·斯托勒

安妮与先生约瑟夫正是黑山学院的灵魂人物，他们在此进行了16年的教学，并持续将包豪斯的实验精神注入他们的教育理念。

在这里安妮组织了黑山学院的纺织工作坊，她的教学理念别具一格，总是让学生们尝试回归“零”的状态，在最大程度上激发自身的想象，从一片空白中开始创造。

安妮常常让学生们想象自己身处空无一物的秘鲁沙漠之中，并在这样的情境下展开行动，想象如何取得织物的材料，并用何种工具开始纺织。

约瑟夫·阿尔伯斯在黑山学院任教时期 ©The Josef and Anni Albers Foundation

05

爱

安妮和约瑟夫的故事

约瑟夫和安妮在他们位于纽黑文 North Forest Circle 8 号的客厅里，1965 年，摄影：John T. Hill ©The Josef and Anni Albers Foundation

©The Josef and Anni Albers Foundation

约瑟夫·阿尔伯斯而后名声大振，成为美国现代主义最重要的艺术家之一。

而每当安妮被问到嫁给名人是什么感受，安妮总是笑着说，我喜欢为他买袜子。

在包豪斯学院相遇的最初，约瑟夫比安妮大11岁，正开始创作十分晦涩的抽象艺术，尚一文不名。当约瑟夫第一次到访安妮装饰奢华的家，是安妮的妈妈首先打破了令人尴尬的沉默，她说：“亲爱的，我们的女儿并不好相处，你很棒。你可以随时来家里找我们。”

一段改变艺术史的姻缘就此结下。

约瑟夫·阿尔伯斯和他的妻子安妮在德绍的包豪斯花园，1932年

©Bibliothèque Kandinsky, MNAM/CCI, Centre Pompidou - Dist. RMN-Grand Palais

安妮和约瑟夫都是狂热的旅行爱好者，四处游历的经验也为他们的创作持续提供养分。

在美国期间，两人常常一起到中南美洲旅行，收藏了大量的墨西哥手工艺品和秘鲁的纺织品。怀着“艺术无处不在”的信念，安妮和约瑟夫通过摄影大量记录了两人多次到访中南美洲的所见所闻，以一种满怀好奇与喜悦的视角发现着不同文化中的美和工艺传统。

挂毯细节，Middle Ica，秘鲁，在编织板 82 上，courtesy of The Minneapolis Institute of Arts

安妮和约瑟夫常对彼此的创作开些无伤大雅的玩笑。在安妮开始创作平版印刷作品时，约瑟夫笑着说：“你在创作墙纸吧？”

而面对约瑟夫的极简绘画，安妮也会开玩笑将它们称为“复活节的彩蛋”。

他们对彼此的作品可能是“苛刻”的，却不妨碍两人在几十年的相伴中共同思考和创作，为现代艺术和设计带来难以估量的贡献。